ROKOKO („bizarní“, „rozmarné“; francouzské rokoko z rokajlu – úlomky kamenů, mušle), slohové hnutí, které dominovalo evropskému umění v prvních třech čtvrtinách 18. století. Nepředstavovalo ani tak samostatný umělecký fenomén, jako spíše fázi, určitou etapu celoevropského baroka.
Termín „rokoko“ se objevil ve Francii na konci 18. století, v době rozkvětu klasicismu, jako opovržlivá přezdívka pro všechno vychované a okázalé umění 18. století: zakřivená, náladová linie, připomínající obrys mušle. , je jeho hlavním rysem.
V roce 1736 Francouzský šperkař a řezbář J. Mondon vydal album rytých kreseb s názvem „První kniha rokajových a kartelových forem“. Cartel (francouzsky cartelle od carte – mapa, svitek papíru) je totéž co kartuše – prvek známý z barokního umění, ale slovo “rokaille” bylo tehdy nové. Ještě v XNUMX. století se ve Francii stalo módou zdobit parkové pavilony – jeskyně, stylizované jako přírodní jeskyně, hrubě opracovanými kameny, lištami ve tvaru lastur, propletenými stonky rostlin, spojenými s tématem moře a atributy moře bůh Poseidon. Tyto asociace byly posíleny mnoha fontánami a rybníky roztroušenými po pravidelných parcích Ludvíka XIV. Postupně se hlavním dekorativním motivem stal tvar mušle, který byl nazýván slovem rokaj od roc – skála, kámen, jeskyně. Taková mušle se však výrazně lišila od ornamentálního motivu renesance. Transformovala se z přísně symetrické, téměř přesně kopírující přírodní lasturu hřebenatky, na dynamičtější, barokní. Počátkem XNUMX. století už byl tvar skořápky těžko rozpoznatelný – byla to spíše bizarní kudrna s dvojitým ohybem ve tvaru písmene C. Proto slovo „rokaille“ začíná nabývat širšího významu – zvláštní, bizarní tvar, nejen skořápky, ale obecně všechno svíjející se, domýšlivý, neklidný; ironicky zkráceno – „rokoko“. Tak se zrodil název nového stylu.
Rokoko, umění upadající aristokracie, které ztratilo drama a energii baroka, se stalo křehkým, sofistikovaným, volajícím po potěšení a smyslných radostech. Rokokové umění je světem fikce a intimních zážitků, dekorativní teatrálnosti, kultivovanosti, sofistikovanosti, není v něm místo pro hrdinství a patos – nahrazuje je hra lásky, fantazie a okouzlujících cetek. Těžkou a patetickou vážnost baroka střídá intimní, křehká dekorativnost. Sloganem krátkého, krátkotrvajícího „století“ rokoka se stalo „umění jako potěšení“, jehož účelem bylo vzbudit světlo, příjemné emoce, pobavit, pohladit oko bizarním vzorem linií, vynikajícími kombinacemi lehkých elegantních barevnosti, což se projevilo zejména v architektonické výzdobě interiérů, jejímž novým požadavkům se přizpůsobovala i rokoková malba.
Byl to svět miniaturních, komorních, zlomkových, prolamovaných forem, složitých ornamentů vystavěných na zakřivených liniích, asymetrii, s motivem ve tvaru stylizované mušle orámované plexem kadeří.
Rokoková malba, grafika a dekorativní umění
Francois Boucher. Ranní toaleta.
Nejběžnější formou malby se stal dekorativní panel, většinou oválný, kulatý nebo složitě zakřivený; Kompozice a design je založen na jemně zakřivené linii, která dodává dílu okázalost a eleganci požadovanou pro tento styl.
Ve svých koloristických výpravách následovali rokajoví mistři Rubense, Veronese a Benátčany, ale upřednostňovali ne jejich syté, syté barvy, ale bledé polotóny: červená se stává růžovou, modrá se stává modrou, citrónově žlutou, vybledlou modrou, růžovou, objevují se dokonce i fialové barvy. fiktivní – jako „barva stehna vyděšené nymfy“. Jedním ze zakladatelů rokokového stylu byl talentovaný malíř Antoine Watteau, který dal nejdokonalejší ztělesnění principů tohoto stylu. Emocionalita a melancholická zasněnost dodávají postavám Watteauových obrazů zvláštní propracovanost, které již nedosahují bezprostřední následovníci mistra, kteří jeho motivy a způsoby proměnili v rafinovanou a povrchní módu.
Největším mistrem samotného rokajového umění byl žák Francoise Lemoina Francois Boucher, mistr zábavných milostných příběhů, vynikající kolorista a kreslíř. Boucherův obraz diktoval zákony celé plejádě mistrů (Natoire, bratři Vanlotové, Antoine Coypel atd.) a tento vliv přetrval ve Francii až do revoluce roku 1789. Mezi významné mistry rokoka patřili umělci různých talentů, kteří se obraceli k různé žánry malby: J. M. Nattier, Drouet, Tocquet, Louis-Michel Vanloe, Latour, Perroneau. Posledním významným rokokovým malířem byl Jean Honore Fragonard, subtilní portrétista a krajinář, jako Watteau, který nezapadal do rámce jednoduše módního stylu.
Rozkvět grafiky je mimořádně charakteristický pro éru rokoka. Téměř všichni velcí malíři 18. století byli také brilantní kreslíři (Watteau, Fragonard), řada významných mistrů se zcela věnovala grafice (Saint-Aubin, Cochin, Debucourt ve Francii, Chodovetskij v Německu). Knižní design, vazačské řemeslo, nábytek, bronz atd. dosáhly velkých uměleckých výšin. Královská gobelínová manufaktura v Paříži vyrobila řadu nádherných tapisérií. Porcelánové továrny (Sèvres ve Francii, Meissen, Nymphenburg v Německu) vyráběly umělecké nádobí, stejně jako figurky vyrobené z bisque a porcelánu.
Rokokové sochařství a architektura
Interiér poutního kostela ve Wisse, Bavorsko
Rokoková plastika je méně významná a originální než malba. V umění rokoka a celého 18. století se rozšířily portrétní busty a malá sousoší či sochy koupajících se, nymf a amorů, byly umístěny v parku a vyzdobeny altány, salony a lázněmi. Největší rokokoví sochaři: J. B. Lemoine, Pigalle, Pajou, Falconet, Clodion.
Pro rokokovou architekturu je charakteristické, že hlavní pozornost architekta byla zaměřena na interiér. Ve Francii v interpretaci fasády nadále dominoval klasicismus 17. století. Jen řada drobných změn zmírnila závažnost architektonického obrazu. Sochařský detail použitý k výzdobě fasády se stává konvexnějším a získává soběstačný význam, který již není podřízen hlavním architektonickým liniím. Ploché pilastry velkého řádu jsou nahrazeny konvexními polosloupy, které dodávají stěně malebnější vzhled. Rokokové stavební plány jsou většinou asymetrické a jsou často postaveny na kulatých, oválných a osmiúhelníkových místnostech; I mezi stěnou a stropem je zabráněno ostrému pravému úhlu a spojovací linie je maskována reliéfním ornamentem, nehybná rovina stěny je drcena, prohlubována, čímž dává místnostem ještě elegantnější, bizarnější tvar. Stěny jsou vymalovány světlými, vzdušnými barvami a zdobeny malebnými panely, vyřezávanými panely a zrcadly v propracovaných zlacených rámech. Největší francouzští rokokoví architekti: Robert Decotte, Gabriel, Boffrand, Oppenor, Delmer, Meissonnier.
Francie byla zákonodárcem rokokové estetiky; Evropské země byly tímto trendem zachyceny nerovnoměrně. Rokoko se nejvíce rozšířilo v Německu, zejména v Prusku na dvoře Fridricha II. Architekt Knobelsdorff vytvořil jeden z nejznámějších rokajových souborů (Sans Souci) v Postupimi. Největšími představiteli rokoka v Německu jsou architekti Balthasar Neumann a Knobelsdorff, malíři Zick, Maulberch, Dietrich a sochař Donner. V Rusku se rokoko rozvíjelo pod přímým vlivem hostujících francouzských a německých mistrů (Tocquet, Roslin, Falconet); pod tímto silným vlivem v Rusku vystoupili do popředí mistři jako Rastrelli (v malých architektonických formách), Rinaldi (zejména jeho stavby v Oranienbaumu), Uchtomskij a do značné míry Rokotov a Levitskij.
Článek byl připraven s použitím materiálů z následujících zdrojů:
- Historie stylů v umění a kostýmu. Sidorenko V. I. Rostov na Donu: Phoenix, 2004.
- Velká encyklopedie Cyrila a Metoděje
Mohlo by vás také zajímat:
- Klasicismus v západoevropském umění 18. století.
- Klasicismus v umění západní Evropy 17. století.
- Barokní styl v západoevropském umění 17. století.
Antoine Watteau vytvořil žánr galantní scény a Francois Boucher ztvárnil volné mravy. Pojďme se s těmito umělci seznámit.
Jde o součást interaktivních lekcí, které připravila vzdělávací platforma Level One ve spolupráci s největšími ruskými odborníky.
Dalších 500 lekcí v 15 oblastech, od historie a architektury po zdraví a vaření na levelvan.ru/plus
Historik umění, autor knih „Dějiny umění. Jen o tom důležitém“ a „Umění 9. století“, XNUMX let vedla přednášky a exkurze v Puškinově muzeu výtvarných umění. Puškin
Antoine Watteau. “Obchod pana Gersena”, 1721
Přečtěte si Zavřít —>
text • 5 min —>
Začněme mluvit o rokoku s Antoine Watteau – jeden z prvních umělců tohoto směru.
Rokoko začalo érou Regency. Po smrti Ludvíka XIV. usedl na trůn jeho mladý pravnuk Ludvík XV. Od roku 1715 do roku 1723 byla Francie řízena Radou Regency. Francouzský dvůr, unavený přísností minulého krále, se šťastně ponořil do hédonismu. Umělci uspokojili vkus aristokratických klientů – a Antoine Watteau má dobrý smysl pro novou povahu umění.
“Obchod pana Gersena.” Tento obrázek má symbolický význam. Zdá se, že je rozdělena na dvě části. Vlevo jsou obrazy sejmuty ze zdi a zabaleny do krabice. Jde o portréty lidí v černém oblečení s bílými límečky v módě 17. století – umění, které přežilo svou užitečnost. Vpravo jsou zcela jiné obrazy: nahá kráska, krajina v oválném rámu. V rohu je zrcadlo s dekorem „mušle“. O pult se opírá dívka v luxusních šatech a přímo tam sedí malý pejsek. Vidíme všechny rokokové motivy, o kterých budeme v této lekci mluvit.
Přečtěte si Zavřít —>
Telegramový kanál
Level One
Inspirativní příspěvky, novinky a dárky pouze pro předplatitele
Antoine Watteau
1. Pouť na ostrov Cythera, 1717
2. Rozmarný, 1718
3. Plesové radosti, 1714
4. Mezzeten, 1717-1719
5. Soud v Paříži, 1718-1721
Jedním z hlavních žánrů rokokové malby je galantní scéna. Pojďme zjistit, co tento žánr je, na příkladu obrazů Antoina Watteaua, který je právem považován za jeho vynálezce.
❤️ Galantní scéna zobrazuje nečinný zbytek aristokracie. Páry flirtují a vyznávají si lásku. Umělec se nezaměřuje na tváře, všechny postavy a jejich pózy jsou podobné. Často se schovávají na tajnou schůzku a je to, jako bychom se stali nevědomými svědky. Vše se obvykle odehrává v háji nebo parku, mezi sochami a starověkými ruinami. Příroda vypadá jako scenérie, zdá se, že se rozplývá v oparu a uvádí vás do sentimentální, lyrické nálady.
„Pouť na ostrov Cythera“ je jednou z prvních galantních scén v malbě. Podle legendy vládne na ostrově Kietheru Venuše a vzkvétá kult lásky: každý, kdo zde skončí, najde partnera. Vidíme mnoho lidí v kostýmech z 18. století, jak se procházejí a stýkají se v malebné krajině.
♀️ „Rozmarná“ je dalším příkladem galantní scény. Dívka se uraženě odvrátila od mladíka, který se jí namlouval. Scéna se odehrává v parku, bez svědků. Co se mezi nimi stalo, se můžeme jen dohadovat: výmluvná gesta baroka vystřídaly polonápovědy, které se těžko dešifrují.
Přečtěte si Zavřít —>
text • 5 min —>
Antoine Watteau. “Gilles”, 1719
Přečtěte si Zavřít —>
Francois Boucher
1. Letní pastorace, 1749
2. Podzimní pastorace, 1749
3. Přerušený sen, 1750
4. Pastýřka a pastýř na dovolené, 1761
Nyní se pojďme seznámit s Francois Boucher, nejuznávanější umělec 18. století.
A začněme pastorálkami – jedním z nejoblíbenějších témat jeho tvorby
Pastorační – výjev z vesnického života. Hlavním motivem francouzského rokoka je flirtování pastýřů a pastýřů, zatímco se poblíž pasou zvířata. Postavy jsou idealizované, výtvarník se soustředí na jejich mládí, jejich tváře působí porcelánově a panenkovsky. Vše se odehrává v klíně přírody a ne v parku, ale v přirozeném zarostlém lese. Příroda přitom připomíná divadelní kulisy a hrdinové scén nejméně připomínají sedláky.
✍️ Popularita pastorace byla částečně ovlivněna filozofií Jean-Jacquese Rousseaua. V jednom ze svých děl se filozof zamýšlí nad nerovností a dochází k závěru, že jejím zdrojem je město: v přírodním světě žádná nerovnost neexistuje. Móda přirozenosti v přírodě a okolním životě se objevila od druhé poloviny 18. století. Marie Antoinetta se sama převlékla za pastýřku. Ale musíme pochopit, že je to jen hra, divadelní představení.
Přečtěte si Zavřít —>
Francois Boucher
1. Hercules a Omphale, 1735
2. Odpočívající Odalisque, 1749
3. Venušina toaleta, 1751
18. století bylo dobou svobodných mravů. To se odráží v díle Francoise Bouchera, který se dotkl i smyslných aspektů života.
❤️ “Hercules a Omphale.” Omphale je lýdská královna, za kterou Herkules nějakou dobu sloužil. Vidíme smyslnější rande: vášnivý polibek a objetí, postavy jsou nahé, divák jako by je špehoval zpoza nebesa postele. Červený baldachýn symbolizuje vášeň, z něj se na sněhobílé pleti Omphale objevují růžové odlesky.
*Tento světle růžový odstín se nazýval „barva stehna vyděšené nymfy“. V rokoku si pro barvy rádi vybírali neobvyklá epiteta: šedá by se například dala nazvat barvou „pařížské špíny“, „holubího krku“, „ztraceného času“.
“Odpočívající Odalisque” Nahá dívka vypadá jako z exotického světa orientálního harému. Ale všude kolem je interiér francouzského paláce s nábytkem a závěsy a hrdinčin účes je vyroben podle módy éry Ludvíka XV. V takovém účesu se stočená lokna obvykle stahuje na rameno – „kudrna vášně“.
“Venušina toaleta” Nahá bohyně se světélkující porcelánovou pletí koketně naklonila hlavu a s jemným úsměvem hledí na stranu – to je častý výraz tváře Bouchera a rokoka obecně. Sedí na pozadí stromů, jejichž koruny mají tvar mraků. Venuše je jedním z Boucherových oblíbených témat.
Přečtěte si Zavřít —>
text • 5 min —>
Jean-Etienne Lyotard. “Čokoládka”, 1745
Přečtěte si Zavřít —>
text • 5 min —>
Francois Boucher. „Portrét markýze de Pompadour“, 1756
Přečtěte si Zavřít —>
text • 5 min —>
Začali jsme se seznamovat s hlavními tématy a motivy rokoka. Doporučujeme zkontrolovat, jak dobře je můžete najít.
Před vámi je „Portrét markýze de Pompadour“ od Francoise Bouchera. Přemýšlejte o tom, jaké znaky rokoka existují? Co říká interiér a markýzův outfit? Vidíš tu milostný vztah? Nebo snad náznak přirozenosti?
Přečtěte si Zavřít —>
Kurz první úrovně
Jak si užít umění
Kurz přednášek o tom, jak se aranžují obrazy. Jakékoli plátno je výběr plátna a typu barvy, zoufalé hledání ideální barvy a kompozice, práce se symboly a archetypálními obrazy. Naučme se užívat si obrazy od prvního náčrtu a tahu barvy až po muzejní rám.
